Krink es una tinta para rotuladores de calidad superior... es duradera, y viene en color negro o plata.

Basada en una formula casera y secreta del escritor KR -afincado en la ciudad de Nueva York- Krink pretende imponer el estilo de "tags", o firmas, chorreantes que dominaron los subterráneos de NYC en los años 80. Además el inventor de esta tinta -disponible en negro o plata y presentada en un envase de cuidado diseño- dice que es imborrable... pobres encargad@s de la limpieza!

Este estilo de graffiti, rápido, sucio, y de rexcelente caligrafía... se está convirtiendo en uno de los estándares estilísticos para l@s escritor@s de graffiti de todo el mundo… Sólo hay que ver el fabuloso libro que le han publicado los de la revista 12oz. Prophet (y las exposiciones presentación de su libro)!

Ah! y como no... KRink está presente en el jodido MySpace -al contrario que l@ mayoría de escritor@s de graffiti europe@s presentes en Fotolog- que además parece ser el espacio que frecuentan norteamericanos.

Y las palabras de los profetas fueron escritas en las paredes del trén subterraneo”.
Simon and Garfunkel, "The sound of Silence."

Se ha hecho un gran esfuerzo para conservar la historia de cada palabra y su uso actual en el graffiti...

All city: Cuando un writer o un crew es el mejor en la ciudad o tiene un estatus reconocido en todos lados.

Back in the day: Se refiere a los viejos tiempos, old school(La vieja escuela) o cuando un writer empezo a pintar por primera vez.

Background (Fondo): La primera vez que se uso el Fondo fue en el Metro Subterraneo se utiliza para darle una base a lo que se pinta y cubrir lo que este debajo de la superficie. Puede ser en aerosol o pintura de cubeta.

Back to Back: Cuando una pared es cubierta con piezas o throwups seguidos, uno tras otro.

Battle: Se refiere a cuando 2 writers o 2 crews tienen un desacuerdo y se arreglan por medio de la batalla. La batalla puede ser de dos formas: De "habilidades" o "getting up". Una batalla de habilidades es cuando los writers hacen una pieza cada uno y la mejor es la ganadora. Una batalla getting up consiste en escoger un area de la ciudad por crew y en un periodo de meses o semanas, el writer o crew que tenga mas tags, bombas o piezas gana, El ganador puede obtener pintura o accesorios y el perdedor debe dejar de escribir su nombre.

Bite: Es copiar el estilo de otro writer.

Blockbuster: Son letras grandes cuadradas de dos colores. Se inventaron para cubrir completamente a otros writers y para pintar los vagones completos rapidamente. Blade y Comet los inventaron.

Bmt: Linea del tren en NY que solo tiene ridgys y ding-dongs

Bomb: Pintar o marcar con tinta. Cubrir un area con un tag, throwups, etc.

Bombing: Salir a pintar, bombardear.

Bubble letters: Son un tipo de letras consideradas viejas por su estilo en forma de burbuja y con sombra. Son muy rapidas de hacer. Phase2 creo ese estilo.

Buff: Es cualquier empleado del gobierno que se dedica a borrar graffiti de cualquier superficie.

Buffed: Borrado

Burn: Se refiere a una pieza realmente buena con un gran estilo.

Burner: Originalmente asi se les llamaba a los wildstyles en los vagones que se pintaban de la ventana del vagon para abajo, Obviamente esta referencia no aplica cuando las piezas son en pared o en otra superficie asi que, Un burner es cual quier pieza que tenga muchos colores brillantes, un buen estilo(wildstyle) el conjunto de todos estos efectos hacen parecer que se esta quemando en la pared.

Caltrans: Es la parte del gobierno encargado de las autopistas en el Sureste de California.

Tips o Cap: Son las boquillas de las latas y hay de diferentes medidas, se pueden medir por numero de dedos tomando como referencia los dedos de las manos.

Character (caracter): Son caricaturas tomadas de comics, libros o Tv o de la cultura popular para añadir humor o enfasis a la pieza. En algunas piezas el caracter toma el lugar de una letra en la palabra.

China Marker: Es un crayon de grasa o aceite con base plastica parecida a una crayola, no son grandes pero se puede rayar en cualquier parte con ellas (meanstreaks)

Cloud: Estilo que se aplica en los inicios del graffiti, se aplicaba en las piezas, es una especie de fondo con forma de nubesque se les daba cuando pintaban en el metro.

Computer Style: Es un tipo de wildstyle que parece pixeleado o digitalizado, como sacado de la computadora.

Crazy: En el diccionario quiere decir “loco” pero tambien puede significar algo realmente grande.

Crew: Son un grupo de writers, quienes pintan las iniciales del crew junto con su tag. Los nombres de los crews son de 3 letras normalmente en NY la mayoria termina en K por "kings" o "kills". El nombre del crew puede tener más letras, depende de los miembros.

CTA: Autoridad de Transito de Chicago

Cutting Tips: Es una manera de cortar las caps para modificarlas.

Cutting Lines: Es una técnica de pintura usada en el relleno de las piezas y caracteres para obtener líneas delgadas, mas delgadas de lo normal.

Dis: Para insultar, proviene de “disrespect” (desacato). Originalmente fue usada como un termino del hiphop/rap.

Def: Realmente bueno (derivado de “muerte”) En estos tiempos es mas usada en la escena del hip hop que en la del graffiti, En algunos grupos es considerada una palabra fuera de uso o de moda.

Ding-Dong: Es el sonido del metro cuando las puertas van a cerrarse, sirve de referencia cuando se esta pintando con el metro en movimiento.

Dope: Originalmente un termino de rap/hiphop que quiere decir "cool" o guai.

Down: Cuando estas con alguien en algo, Ya sea pintando, bailando, escribiendo con tu crew.

Drips: Es un efecto de goteado o chorreado que se les da a los tags. Este efecto muchas veces es una marca de identificación de un toy, aunque si es intencional por parte del writer es aceptable. Este estilo se origino en el metro subterraneo de NY.

Fade: Mezclar colores.

Fame: Es la fama, es lo que la mayoria de los writers buscan al pintar.

Fanzine: Es una revista acerca de un tema de interes en este caso el graffiti realizado por una persona o fan que esta dentro de la escena. El primer fanzine que hubo fue el "International Graffiti Times" por Phase2.

Fan Spray: Una nueva clase de cap en la pintura en aerosol. (Usada sólo en marcas baratas de spray, incluida Krylon). Se puede usar para rellenar pero no para detalles. La cap no es removible para poder insertar fat caps.

Fat: Puede referirse a algo grueso como una “linea gruesa” o puede ser usado como un termino referente a algo bueno “Yo, thats fat” (Checa, eso si ke esta gordo)!

Female Tips: Son las caps que se insertan en latas que tienen un tubito en la entrada.

Freight Monikers (streaks, hobo tags, oil bars, worker tags, etc.): Son dibujos hechos usualmente con Marcadores de aceite, Monikers es una palabra Irlandesa que significa ("Nombre Corto o Nickname" y "Freights o Vagon"). Existen cientos de monikers en vagones alrededor del mundo, aun no se sabe como surgieron.

Fill (relleno): Es el color interior de una pieza o throwup.

Flat: Este termino se refiere mas que nada a los trenes subterráneos, podriamos pensar que se refiere tambien a algun tipo de vagón.

Flicks (flix): Fotos de graffiti.

Fly: Es “Cool” igual que “Fresh”... Es un nuevo termino de hip-hop.

Fresh: Nuevo, Bueno, Cool, Fresco.

To Front: Para molestar a alguien, para armar una pelea. Es un termino de rap/hiphop.

Getting Up: Originalmente significaba pintar un tren. Ahora significa pintar en cualquier lado con cualquier forma de graffiti. Poner tu tags muchas veces.

Going Over: Cuando un writer cubre el nombre de otro writer con el suyo.

Grease Pencil: ver “China Marker".

Griffin: Es píntura para zapatos usada para hacer markers caseros.

Grocery Store Ink: Es una especie de tinta usada por tiendas de almacen en sus pistolas marcadoras de precios. Los Escritores de graffiti toman esta tinta y la usan para rellenar sus propios marcadores.

Hip-Hop: La cultura de finales de los 70s e inicios de los 80s que originó la cultura del graffiti como la conocemos, el break y la musica hip hop que se ha convertido en rap.

Hit: Rayar cualquier superficie con pintura o tinta.

Hit up: Cuando algo esta cubierto con tags.

Homemade (Hecho en casa): Cuando algo es hecho en casa, ya sea tinta, markers, caps.

Homemada Ink: Es un tipo de tinta hecha por uno mismo para los marcadores hechos en casa. La mezcla incluye papel de carbon mezclado con alcohol y/o fluido de encendedor.

Icy Grape: Un color descontinuado de la marca Krylon.

Insides: Pintar dentro de camiones, trenes etc.

Jungle Green: Es un color viejo de Krylon que volvia locos a los writers en los 80s.

Karak: Character, Caracter, "keko".

Kill: Rayar o bombardear excesivamente.

King: El mejor con las mayor numero de tags, bombs o piezas( King en Throwups, King en Tags, King de un area).

Krylon: Es una marca de pintura en aerosol reconocida mundialmente por su logo de los 5 puntos.

Layups: Es donde estacionan los trenes en la noche o los fines de semana.

Mad: Muchas porciones.

Magnum: Es un marcador gordo usado por los writers, no rellenable.

Marks-a-lot: Es un marcador con un cuarto de pulgada en la punta. Empezo a usarse en los primeros dias del graffiti( cerca de los 70s) pero fue desplazado por marcadores mas grandes y pintura en aerosol.

Married Couple: Dos vagones enganchados identificados con su respectivo numero. Es un termino viejo de los subways en NY.

MTA: Autoridad Metropolitana de Tránsito.

Mural: Es una producción con piezas, caracteres y con fondo.

Old School: Son los días cuando se pintaba en los mediados de los 70s al 82 u 83 o a la musica de hip hop de ese periodo. Los escritores de ese periodo son respetados por iniciar los estilos que ahora conocemos.

Outline: Es el boceto que hacemos en nuestro piecebook o blackbook antes de hacer nuestra pieza en pared, tambien se le llama sketch. Tambien se le llama así a las primeras lineas o trazo que hacemos en la pared antes de empezar la pieza o con la que delineamos al terminar.

Panel Piece: Es cuando pintas debajo de la ventana y entre las puertas de los vagones del metro.

Piece: Es cuando pintamos nuestro nombre o el de nuestro crew, debe tener al menos 3 colores para ser considerado una pieza.

Piecebook: Es nuestro libro de bocetos o sketches, tambien se le llama "blackbook" o "writers bible".

Pilot: Es un marker con una punta gruesa y se puede rellenar.

Props: Respeto, viene de “proper respect” (dar respeto). Termino hiphop/rap.

Rack: Robar pintura o markers de las tiendas.

Ridgy: Son vagones de acero corrugado.

Roll Call: Es poner el nombre de todos los miembros de un crew o la lista de gente que ayudo a crear alguna pieza.

Red Devil: Una marca de aerosol que se volvio muy popular en los primeros dias del graff.

Scriber: Es un instrumento para hacer tags hecho con una punta de diamante, tambien se encuentran en forma de piedras y causan mucho daño donde se usan, imposible de borrar.

Scrub: Son throwups de dos colores que se rellenan rapidamente y no importa si el relleno es solido.

SG-7: Un tipo de marcador grande hecho por SAKURA que es un poco mas grande que el Pilot y es muy facil de rellenar. SAKURA hizo un modelo de la misma medida llamada “Pentouch”, el cual tenia una bola mezcladora dentro.

Shoe dye: Tinta de zapatos , es usada para taggear, consiste en un bote con una brocha de esponja normalmente viene en colores negro y blanco. Ver “Griffin”.

Stickers: Son calcomanias con el tag dentro, piezas, caracteres, que se hacen con marcador o pintura.

Sucker Tips: Son las tapas que vienen con la lata al comprarla y se le llama asi por que solo un tonto usaria estas tapas para hacer su pieza.

Tag: La forma mas basica del graffiti. El logo del writer con su propio estilo, muchas veces con los sufijos "oner"; "er", "em", "rock"...

Tagging up: El acto de poner tu tag con marker o pintura.

Tagbanger: Es una nueva subcultura en la cual el tagbanger no se considera writer, el solo pone tags, nunca hace piezas ni throwups, la mayoria de las veces esta armado y esta asociado con pandillas, es una influencia negativa para el graffiti. Este término, como "tagger" fue inventado en gran parte por los medios y no está generalmente en uso excepto por ellos.

Tagger: Lo opuesto a writer. Solo hace tags o throwups. Utilizan metodos mas destructivos. Los taggers que nunca hacen piezas son llamados "scribblers" por writers con mas experiencia.

Third Rail: En el metro de NY existe una linea extra que da energia para que los trenes puedan moverse, si tocas esta linea, podrias morir. Este término, como "tagbanger" fue inventado en gran parte por los medios y no está generalmente en uso excepto por ellos.

3D: Es un estilo tridimensional muchas veces se le aplica al wild para hacerlo mas complejo, lo invento Phase2.

Throwup: Son letras utilizando uno o dos colores maximo y rapidas de hacer.

Top to bottom: Es una pieza que se extiende desde el piso hasta el techo de un vagon cubriendolo todo. El primer top to bottom se hizo en 1975 por Hondo. Dead Leg hizo el primer top to bottom con una nube.

Toy: Es un writer sin experiencia o incompetente, que utiliza tapas baratas o con un estilo demasiado malo. Una vieja definición de "TOYS" es "Trouble on your system" Problema en tu sistema.

Ultra –Wide: Es un tipo de marcador con una punta de una pulgada y medio, facil de rellenar, utilizados para hacer posters, etc. A veces se les llama “UniWide”.

UP: Es un escritor que esta actualmente pintando o que pinta con frecuencia.

Ultra Flat: Es la pintura preferida de los taggers ya que se puede pintar con ella en cualquier superficie y se adhiere mejor.

Wack: Que esta por debajo de los estandares, es incorrecto o incompetente.

WildStyle: Es una construcción complicada de letras intercaladas. Un estilo dificil que consiste en diversas conexiones. Algunos son indecifrables.

Window Down: Es una pieza que se pinta de la ventana del vagon para abajo.

White Trains: Son trenes blancos que circulaban en el 83s. Los writers los adoraban ya que eran como un lienzo en blanco para ellos.

Whole Car: Una pieza que cubre todo el vagon, es parecida al top to bottom.

Whole Train: Cubrir todo el tren con piezas. Dos Whole Trains fueron hecho por Caine en 1976 y otros dos mas despues por The Fabulous Five.

*Gracias Dose Uno from AK Crew in Monterrey Mexico para la traducción en español. autores y contribuidores originales: Chad, Schmoo, RaskeL & Celtic, Eros and Subway Art by Henry Chalfant for basic info and references. Observe que esta lista es absolutamente anticuada y algo NYC-ce'ntrica. Los términos en uso en su área pueden manar tan sean diferentes. Un más nuevo glosario se ha compilado cerca by 149th Street.

http://www.graffiti.org/faq/graffiti_glossary_es.html

Julian Pablo Manzelli es el artista callejero argentino CHU.

Nacido el año 1974 en Buenos Aires, Argentina, atraviesa una juventud influenciada por la cultura urbana, el skate y los viajes. Egresa como Diseñador Gráfico de la Universidad de Buenos Aires, donde ejerce como docente durante 3 años. Complementa sus estudios en talleres de ilustración, serigrafía, fotografía y animación.

Luego de trabajar en importantes agencias de Buenos Aires, en el año 1998, forma el Grupo DOMA junto a Mariano Barbieri, Matías Vigliano y Orilo Blandini, un colectivo multidisciplinario de experimentación artística en el cual sigue desarrollándose como miembro activo. Dentro del grupo, se inicia en el streetart y se especializa en animación. En el 2001 se traslada a Miami, USA, para trabajar como Motion Graphic Designer / Art Director para la señal "The Locomotion Channel", un canal de culto de animación para jóvenes y adultos transmitido en toda América Latina.

En el año 2003 se inicia en el diseño de muñecos trabajando dentro de DOMA y en un proyecto paralelo llamado SAMBOtoys. En el período 2004-2006 se dedica full time a DOMA realizando proyectos artísticos y comerciales junto a sus colegas. En el plano artístico, realizan muestras e instalaciones en importantes museos y galerías de Buenos Aires, Nueva York, Los Angeles, Berlin, Barcelona, etc.

Actualmente Julian Pablo Manzelli reside en Buenos Aires, trabajando en forma independiente y vinculado a los siguientes proyectos:

www.doma.tv
www.sambotoys.com
www.globolab.tv
www.studiochu.tv

Todo el mundo dentro del mundillo del graffiti conocerá al famoso Taki 183, por ser uno de los primeros en NYC en escribir su nombre en las paredes... Directamente copiado desde el magnífico Aerosol Blog os presentamos este artículo que salió originalmente publicado en el periodico New York Times en 1971.

"Taki 183" Spawns Pen Pals.

Taki es un adolescente de la Manhattan que escribe su nombre y su domicilio por donde él va. Él dice es algo que tiene que hacer. Su "tag" Taki 183 aparece en estaciones de metro y dentro de lo vagones del metro por todas partes de la ciudad, sobre paredes a lo largo de Broadway, en el Aeropuerto Internacional  Kennedy, en Nueva Jersey, Conecticut y en otros sitios del estado de Nueva York. Él ha engendrado cientos de imitadores, incluyendo a JOE 136, BARBARA 62, EEL 159, YANQUi 135 y LEO 136. Para quitar tales palabras, y otras obscenidades y graffiti, del metro empleó 80,000$ aproximadamente. 300,000$ en el año pasado. "Trabajo, pago impuestos también y esto no daña a nadie " respondió Taki en una entrevista, cuando le dijeron el coste de la limpieza de los graffiti. Y él preguntó: "¿Por qué van ellos detras de mi? ,¿por qué no las organizaciones de campañas electorales que ponen etiquetas adhesivas por todas partes del metro en las elecciones?".

Este chico de 17 años recien graduado en el instituto, vive en la calle 183 entre las avenidas Audubon y Amsterdam. Él pidió que su apellido no sea revelado. Contó que Taki es un diminutivo tradicional griego para Demetrius, su nombre real.
"No me parezco a una celebridad normalmente" dijo. " Pero la gente me lo hacen parecer cuando ellos me presentan a alguien. La que sabe quien era el primero". Taki contó que cuando él comenzó a pintar su nombre y domicilio en camiones de helado en la vecindad a principios del verano pasado, nadie más escribía graffiti similares. "No tenía un trabajo entonces y usted sabe como pasa el tiempo. Pillé la forma de JULiO 204, que lo estaba haciendo unos años antes, pero paró porque le detuvieron".

Él es el rey. "Pintaba por todas partes a las que iba, todavía lo hago, aunque no tanto. No se hace por las muchachas; ellas no parecen preocuparse. Se hace para uno mismo, no para ser elegido el presidente". Dijo que no tenia ni idea de cuantas veces tenía su nombre escrito. Otros adolescentes que viven sobre su bloque dicen que "él es el rey ". "Ha conseguido que todo el mundo lo haga" añadió Raymon Vargas de 16 años un joven con el pelo de estilo afro. "A mi también me gusta escribir mi nombre de vez en cuando, pero no en sitios donde la gente puede verlo facilmente y tacharlo". Dijo que él escribe el Ray 0 por todas partes.

Los graffiti han tenido una historia larga en los sistemas metropolitanos de la ciudades. "Kilroy", que estaba por todas partes en la Segunda Guerra Mundial, dejó su dibujo con bigotes en carteles publicitarios y varias obscenidades. Los funcionarios dijeron, sin embargo que el problema se había multiplicado durante los dos años pasados. Son también más difíciles de tratar. Los "Magic Markers" y otros fabricantes de rotuladores son considerados indelebles sobre el hormigón y otras superficies rugosas como las estaciones de metro. Aquellas superficies son re-pintadas para quitar el graffiti. Dentro de coches de metro, los nuevos limpiadores impulsados pueden quitar casi todo de las superficies pulidas metálicas excepto la tinta India.
El agente Floyd Holoway, de la policía de Autoridad de Tránsito y viceprsidente de la Asociación Bevolent, dijo que la mayor parte de graffiti aparecia justo antes despues de las horas de clase. "Esto no es un crimen principal", dijo. "La mayor parte del tiempo ellos no tratan de escabullirse si son cogidos". Dijo que él había cogido a adolescentes firmando por todas las partes de la ciudad, de todas las razas, religiones y clases sociales. El crimen según la policía de Autoridad de Tránsito dice, "es clasificado como una violación porque es sancionado sólo por la Autoridad de Tránsito, no por la ley. un portavoz dijo que si alguien mayor de 16 años es cogido conseguiría sólamente una citación".

Taki dijo que él nunca ha sido cogido en el metro. Pero si que fue expulsado del Instituto Harran durante un día por escribir sobre paredes, además un agente de servicio secreto le llamo la atención por escribir sobre un coche del propio servicio secreto durante un desfile. Este joven que dijo que entraría en una universidad local en septiembre, declaró que su pasión por graffiti no era normal y que "tal vez iré a un psiquiatra y le diré que soy Taki 183 estoy seguro que será bastante para conseguirme una plaza para un psicologo". Pero él añadió: "Yo nunca podía retirarme. Todavía llevo un pequeño rotulador Magic Marker".

Clic para bajar el articulo original en .PDF!

Shepard Fairey o Giant es un artista y diseñador gráfico estadouindense, famoso por sus pegatinas con la imágen del luchador televisivo André el Gigante y por sus diseños que toman elementos del cartelismo de propaganda política de mediados del Siglo XX.

Intervenciones callejeras

Shepard Fairey fue uno de los primeros artistas de graffiti de finales del siglo XX en propagar la técnica de pegatinas como intervención callejera. Sus primeras pegatinas mostraban una foto en alto contraste de André el Gigante, como mensaje sin contenido y con la principal intención de sorprender al viandante y espectador. Define este trabajo como "un experimento de fenomenología". Comenzó a repartir de forma gratuita estas pegatinas, convirtiéndose poco a poco en un icono de la cultura popular contemporánea. Ha realizado diferentes versiones del mismo tema, y también las ha incluido en exposiciones, posters, camisetas, diseños para estampados de monopatín, etc.

Otros de sus trabajos callejeros más destacados son los posters de grandes dimensiones, con los que empapela paredes a la vista de los viandantes en diferentes países a los que viaja. En estos posters suele estar presente una temática política velada o una sugerencia de reflexión sobre los estereotipos de discusión política. Su estilo está basado en parte en el cartelismo ruso de la era del comunismo y en el arte pop, con elementos claros del comic estadounidense. Entre los motivos de esta temática estan las efigies de Lenin o del Subcomandante Marcos, aunque Fairey afirma no estar haciendo propaganda, sino buscar una provocación o un contraste.

Incluyendo lemas como "Piensa y crea, imprime y destruye", que mezclan lo subversivo con el entretenimiento, su temática y estética viene a ser a menudo una mezcla entre caricatura y revival de la propaganda política, las ideas situacionistas y las revoluciones estético-filosóficas de los 6o, trasfondos temáticos muy comunes en el arte de finales de los 90 y principios del presente siglo. Su situación como artista es controvertida, manteniendo trabajos de diseño gráfico y publicidad con grandes marcas por un lado, y enfrentándose a detenciones en diversos países por vandalismo urbano con sus intervenciones, siendo de esta manera un representante marcado de la discusión sobre el papel del artista y su ideolodía en el momento presente de la historia de las sociedades capitalistas.

Reivindica el espacio público como espacio principal para la vida artística y cultural, proponiendo una crítica a la hegemonía estética y presencial de la publicidad, encabezada por las grandes corporaciones financieras.

Se conoce bajo el nombre de Obey o Giant la obra callejera más representativa de Shepard Fairey. Como en otros artistas de graffiti, este nombre sirve tanto para el acrónimo de la obra como para el pseudónimo de Fairey durante su ejecución. Consiste en una serie de pegatinas -más tarde posters- con el rostro de André el Gigante(André the GIANT) en diferentes variaciones de alto contraste. El lema/nombre original era GIANT HAS A POSSE (= "El Gigante tiene una pandilla"), pero más tarde el concepto de Fairey empezó a hacer más presentes aspectos de filosofía social y crítica del sistema, y fue incluyendo la palabra OBEY (= "Obedece") sumando así mayor impacto y absurdo a la estética del tema.

En palabras de Fairey:

"La campaña Obey puede ser explicada como un experimento de Fenomenología. La principal intención de la Fenomenología es redespertar un sentido de fascinación hacia el entorno de uno. La campaña Obey intenta estimular la curiosidad y atraer a la gente a cuestionar tanto la campaña como sus relaciones con quienes les rodean. Dado que la gente no está acostumbrada a ver anuncios o propaganda cuyos motivos no sean obvios, los encuentros frecuentes y noveles con la propaganda Obey provocan pensamiento y posible frustración, y en cualquier caso revitaliza la percepción y atención del espectador a los detalles".

(Para leer más: Manifiesto de OBEY GIANT (Inglés)

Las primeras pegatinas fueron fotocopiadas y colocadas por Fairey de forma local o en sus viajes, pero pronto empezó a repartir copias, imprimirlas con calidad de papel, definicióny tintas, y enviarlas por correo a amigos y curiosos, haciendo que sus pegatinas fuesen colocadas en los espacios colectivos de muchos países. Remitiría personalmente copias de pegatinas de la gama OBEY GIANT gratuitamente, a cambio de otros trabajos que otros artistas le enviasen. En la página web oficial de OBEY (ver enlaces externos) recibe colaboraciones internacionales de los aficionados y seguidores de este fenómeno-manifestación, bootlegs de las primeras versiones de GIANT, así como enlaces a trabajos y proyectos de otros artistas. Shepard Fairey también cubre el campo del diseño gráfico como empleo regular. Ha realizado diseños para conocidas marcas de refrescos, como Dew, monopatines Real Skateboards, y músicos de renombre como Sepultura, Chuck D de Public Enemy, entre otros.

Muchos/as activistas urbanos/as acusan a Shepard Fairey de venderse al capital desde su campaña "Obey your thirst" ("Obedece tu séd") para la bebida gaseosa Sprite (propiedad de Coca Cola). Evidentemente desde esta campaña el valor conceptual de su campaña "OBEY" ha sido traducida en un puro espectáculo ya que todo el mensaje de Fairey pasa de "no vender nada", a decirnos que "todo puede ser comprado".

Links:

• Obey Giant Web dedicada a trabajos y actividades de Shepard Fairey
• The giant Blog dedicado a la "Campaña Obey Giant"
• Manifiesto de OBEY GIANT (Inglés)
• http://www.freakevolution.com/2004/12/17/obey/
• http://aerosolblog.blogspot.com/2005_05_01_archive.html

Henry Chalfant (nacido el 2 de enero de 1940 en Sewickley, Pennsylvania, E.E.U.U.) es un conocido y prestigiosos fotógrafo de la cultura urbana, más conocido por sus fotos y video de graffiti y breakdance.

Sus fotos están en las colecciones del Museo Metropolitano de arte en New York City, y el instituto de Carnegie en Pittsburgh, Pennsylvania. Se graduó en la Universidad de Stanford y fue el co-autor de los documentos más conocidos que registraban el graffiti “old-school” de NYC como los libros “Subway art” o “Spray Can Art” (que retrataba el graffiti como un movimiento global”.

Este fotógrafo y antropologo, de formación escultor, comenzó a fotografiar las pintadas del metro a mediados de los años 70 del siglo pasado y continuó en los años 80. El período en el cual él fotografió las pintadas del metro de New York City a los niveles más altos de la creatividad. Fotografió trabajos importantes de artistas tales como: LEE, DONDI, SKEME, SEEN, BLADE y muchos otros.

Chalfant llegó a ser bien conocido por la manera única de relizar su obra. La cámara fotográfica permanecería en un punto con avance automático de la película mientras que el tema (tren) se mueve. El resultado final es una sola imagen delantera recta construida de varios marcos que proporcionan más detalle. La técnica se ha convertido internacionalmente, en uno de los estándares para la documentación de la fotografía de trenes.

Chalfant también co-produjo e hizo la investigación de fondo y la foto-documentación para la película “Style Wars” (“Guerras del estilo”), que fue emitida por primera vez en la televisión PBS en 1984. Una de las primeras autoridades en arte del subterráneo de Nueva York, él ha publicado los artículos y ha dado una conferencia extensivamente en cultura urbana. Ha publicado numerosos artículos sobre el graffiti en Nueva York y recientemente ha dado conferencias sobre los aspectos del conflicto en el Oriente Medio, particularmente la ocupación israelí de territorios palestinos.

Henry Chalfant ha indicado que sus influencias son variadas: “En universidad mi mentor era Charles Rowan Beye, el erudito griego. Realmente no tenía un mentor para mi trabajo artístico, pero fui influeciando por sino que a los grandes escultores como David Smith y Eduardo Chillida. Para la labor en la antropología visual me influeció el cineasta etnográfico, Jean Rouche”.

Libros

• "Subway Art", Martha Cooper y Henry Chalfant, Thames and Hudson, London, 1984, Henry Holt, New York, 1984.
• "Spraycan Art", Henry Chalfant y James Prigoff, Thames and Hudson, London and New York, 1987.

Film

• "Style Wars", un documental para PBS con Tony Silver, New York, 1984;
• "Flyin' Cut Sleeves", documental sobre las bandas (o gangs) del South Bronx co-producido y dirigido con Rita Fecher, 1993.
• Productor y ejecutor de los video-clips del grupo the rap, The Latin Empire, "Puerto Rican and Proud" para Atlantic Records y "Así Es La Vida", elegido uno de los mejores 10 videos en MTV internacional, 1990.
• Productor y director de "Visit Palestine: Ten Days on the West Bank". 2002.
• "From Mambo to Hip Hop", un documental sobre el South Bronx producido por City Lore Inc.

1982. El graffiti aparece en Francia de la mano de algunos adolescentes profundamente inspirados por lo que de aventura y de revuelta conlleva esta disciplina.

No querian transmitir ningún mensaje en particular, simplemente diversión. Hoy en dia, no hay calle sin sus nombres, ni metros o trenes que no hayan sido repintados por ellos. Este pequeño grupo inspiró a una gran masa y el graffiti invadió las calles.

Writers, 20 ans de graffiti a Páris es el primer documental centrado en el nacimiento del graffiti francés. En una hora y media de duración, repasa veinte años de este arte urbano desacreditado en muchas ocasiones. Marc-Auréle Vechchione, es el realizador y gracias a su estatus de activista, nos abre las puertas del movimiento y todo ello, reforzado con entrevistas, imágenes y fotos de archivo de la época llegando hasta nuestros dias,intenta darnos una visión clara de un movimiento (el graffiti) que contribuyó a la propagación del hip-hop en Francia, y por extensión en Europa.

La estructura del documental es lineal, cronológica. Parte de los orígenes neoyorquinos hasta llegar a la invasión Francesa y del resto de Europa, recordemos aquellas exposiciones de graffiti en tierras europeas a mediados de los 80 por parte de muchos writers americanos… El tipo que nos sirve de guía no es otro que Vincent Cassel [[-quien?¿?... el de la pelicula francesa “La Haine”... -quien?¿?... el que está casado con Mónica Bellucci…]].
Un guía, que reflexiona tanto estética como politicamente sobre el graffiti en Paris, desde los primerizos tags de Bando o Boxer hasta el incontrolable fenomeno social en lo que se convierte en nuestros dias. Es un echo, el graffiti llega a Francia… grupos como los CTK, PCP, TCG, o NTM plagan las calles, las vias de los trenes comienzan a ver más y más piezas de Boxer o Wire, implantando poco a poco nuevos estilos de letras más agresivos, alejados de la estética Nueva York, y ello hace que París se convierta en una de las ciudades más creativas y expanda su influencia a otras ciudades de Francia. Quizás no están todos los que son, pero son todos los que están.

(Artículo: http://blogs.hiphopflash.com/comments/Crawler/Weblog/1983_2003_writers_20_ans)

Los Goonies (The Goonies en inglés) es una película de aventuras estadounidense de 1985 dirigida por Richard Donner.

Relata el viaje que emprenden Mikey, su hermano mayor y sus amigos en busca del tesoro de Willy el tuerto. Aunque la película esta dirigida por Richard Donner la historia es de Steven Spielberg y es una de las películas de culto de los años 1980 y un clásico de aventuras por excelencia.

Se desarrolla en una ruta por cuevas escondidas y pasajes secretos que poco a poco van llevando a la audiencia a un barco pirata de Willy el tuerto, mientras unos ladrones los están siguiendo. La trama es bastante aventurera, pero al mismo tiempo desarrolla un buen final para la familia de Mikey.

Como nota curiosa, se puede destacar que título del segundo disco del quinteto musical La Oreja de Van Gogh, "El viaje de Copperpot", está inspirado en Chester Copperpot, un cazador de tesoros mencionado en la película.

Expo: "SAL, EXPLORA y CUÉNTALO" de CHUNK 1 alias Gordi.
Una exposición fotográfica de sitios y lugares a donde se supone que no puedes entrar...

Border Line Shop (c/ Lope de Irigoyen, Irún, Gipuzkoa).
Del Viernes 2 al Sábado 31 de Marzo.
http://www.fotolog.com/borderlineshop

Organiza: www.parafernalia.info
(Skateboarding desde el corazón)*

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“Tarkovski propuso en su película STALKER el desierto de la disolución, del agua. Es el Stalker, el guía, quien hace de la Zona un desierto, un lugar donde se hace precisa la creencia, la fe, no para salir de ella sino para llegar a su centro”.
Francisco Javier Pantoja Ferrari.

En el mítico documental, original del año 83, “Style Wars” quedo latente la imprescindible y maniática costumbre por parte de los escritores de graffiti en fotografiar sus trabajos ilegales para más tarde intercambiar impresiones con sus colegas. En la menospreciada década de los 90 el formato “fanzine, o revista autopublicada, era la manera de estar al día. Hoy por hoy, tenemos FOTOLOG.NET y a su millón de usuarios que pueblan una aldea virtual llena de recuerdos congelados de muy diferente temática y procedencia. Podemos observar montones de “flogs” (o diarios fotográficos online) destinados a cubrir ese arte ilegal que se realiza en la calle.
Buscar entre anónimas multitudes para identificar lo que te interesa es una misión totalmente contemporánea, igual que mantener un espíritu fresco y estilo original (premisas imprescindibles del escritor/a de graffiti).
Poco a poco se empezaron a ver maduros usuarios en fotolog que iban desprendiéndose del peso pictórico de pintar en paredes (o trenes) para simplemente sentir que introduciéndose en esos lugares prohibidos -y/o abandonados- demostraban mantenerse “fieles al juego” (oye, mira tu por donde, como Oteiza que dejo su actividad escultórica en 1960).
Como claro ejemplo tenemos a los /intrud3rs en Paris, /ilovetunnels en Lisboa, /new_homes_lost en Alemania, /apl315 en Ukrania (y su "Aban-mag2" revista gratuita en formato .pdf), o el brasileño /viciopifdst en San Pablo. Y es que no todos los escritores son adolescentes con 2 botes de spray llenos de testosterona buscando su dosis de adrenalina.
Quizás aquí es donde nos encontramos ante un nuevo “lifestyle” o forma de vida (todavía no explotada por “marketing” alguno) a medio camino entre la desobediencia civil y las “derivés” del colectivo artístico La Internacional Situacionista (1957-1971). En su libro “El andar como práctica estética” (Ed. Gustavo Gili, Bcn 2002) el arquitecto italiano Francesco Careri opina que: “el acto de andar, si bien no constituye una construcción física de un espacio, implica una transformación del lugar y de sus significados”.

Buceando un rato más por la red es bastante sencillo toparse con un montón de webs destinadas a esta actividad (¿o quizás deporte de riesgo?) llamada “Exploración Urbana”. Por citar algunas: www.urban-exploration.com, www.abandoned-places.com, www.urbantrip.ru, o la imprescindible www.infiltration.org (“el ´zine sobre ir a sitios donde se supone que no puedes estar”). En esta web sobre infiltración podemos encontrar una sección-diccionario (“infispeak-dictionary”) o un imprescindible y nutrida sección de “links” en un mapamundi (el único continente sin exploraciones por ahora parece Suramérica). Y por supuesto la ruta desde Saturce a Bilbao (“...vengo por toda la orilla, somos ratas en bizkaia, somos ratas contaminadas...”, Eskorbuto) no podía faltar entre los hipervínculos. http://axs5.free.fr es el proyecto de final de carrera -Septiembre 2001- de Thomas Wessel-Cessieux, un estudiante de arquitectura en Grenoble... un excelente trabajo que se nos empuja a visitar lugares recónditos como es (por ahora) la península de “Zorrozaurre”. Allá vamos!

*(Este articulo ha sido publicado en la revista Etecé #04 de marzo/abril 2005... y en el blog de 9cDR)!

*Muro junto a la estación de Euskotren de Herrera, Donostia .
Foto: Equipo PALABRA, Marzo 2007.

El ejemplo más significativo de popularización del graffiti en España puede centrarse en el desarrollo de los llamados escritores autóctonos de Madrid o los “Flecheros madrileños” que, fuera de toda influencia del graffiti original neoyorkino, encontraron en Muelle un ejemplo a seguir como pionero en el arte de escribir en la calle en el Madrid de los años 80.

PARTE 01:
En esta sección hablaré de los inicios del graffiti en España, limitándome brevemente al movimiento de graffiti autóctono en el Madrid de los 80 (el Madrid de La Movida), pero sobre todo me he centrado en el relato sobre, quizás, el personaje más representativo de la época: Muelle.
*(Artículo extraido de: www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/05historia_spain.html).

Muelle se impuso en el Madrid de los años ochenta sólo por su apodo convertido en rúbrica, una firma donde no había demasiados propósitos artísticos. La espiral terminada en punta de flecha que hacía de vector a la lectura bajo las letras, no era apropiadamente un dibujo, sino un recurso caligráfico bastante elemental.
A la larga, no tuvo mucha fortuna en aquello de colocar su creación (en realidad su nombre), tener un galerista, probar con otros soportes. Soñaba Muelle con derechos de autor, con tener un buen local y mejores instrumentos para ensayar con sus colegas del grupo de rock donde tocaba; soñaba con poder hacer en una imprenta de verdad aquellas pegatinas que esmeradamente coloreaba a mano , y soñaba buscando incansablemente el muro limpio que se viera bien al pasar (como su última obra importante: la firma a seis colores en la M-30, ya borrada). Sus cálculos en las estaciones del metro le crearon enemigos, tanto entre el funcionario del metropolitano como entre los propios chicos del grafito, pues había quien iba detrás para emborronar la obra o algún imitador, que siempre detectaba.
Lo que Muelle no previó jamás es que su firma se iba a quedar como parte de una geografía de la que se participa sin conciencia y con mucha prisa. La firma de Muelle se ve pero no se mira. Con algo de buena voluntad, algo habrá de conservar, que hoy, arrancar trozos de muro pintarrajeados y guardarlos, tras lo de Berlín, no resulta nada raro. El que tenga un Muelle que lo cuide. Ya no habrá más.
Juan Carlos Argüello, Muelle, murió a los 29 años víctima de un cáncer. El profeta de los grafiteros castizos, que adornó el Madrid de la segunda mitad de los ochenta con su peculiar marca, alumbró a toda una pléyade de guerreros del aerosol que usaban los muros de la ciudad para expresar una actitud y una ética distintas a las convencionales. Ahora, después de miles de pintadas, la herencia mural de Muelle es escasa. Pero el concejal de cultura está dispuesto a exhibir alguna de sus obras si recibe solicitudes para ello. Sería un homenaje póstumo al artista callejero que dió bastante trabajo a otro servicio municipal, el de Limpiezas. Un empleado de ese departamento se refería al artista callejero como "ése que puso de moda el guarrear la ciudad".
Muelle había dejado de actuar en 1993,al considerar que su "mensaje" estaba ya "agotado". Casi todas sus huellas y las de sus epígonos han sido borradas por bayetas municipales, y sus retoños pintan garabatos inspirados en las nuevas culturas de baile.

Muelle se hizo, literalmente, un nombre en las calles del Madrid de la movida. A partir de 1984 difundió su mote (que arrancaba desde la escuela, por haberse hecho una bicicleta con un muelle gigante de amortiguador) por el perfil estético de la ciudad, a través de miles de pintadas. Primero en el barrio de Campamento, donde vivía. Después por toda la Villa y Corte, e incluso por toda España. Casi siempre con nocturnidad. Al principio sus obras eran meras firmas. Posteriormente empezó a sombrearlas con colores o con dimensiones de profundidad, que le aproximaban a la estética del grafito neoyorquino. Los años de práctica también le proporcionaron unos sólidos principios éticos. Muelle fue seleccionando sus lienzos, concentrándose en superficies muy visibles, tapias de solares o vallas publicitarias(por las que sentía predilección, ya que consideraba su "mensaje" como un antídoto contra el bombardeo de imágenes que nos invade). Evitaba lugares de interés cultural o natural. Le preocupaba, incluso, el hecho de que los aerosoles que usaba se cargaran la capa de ozono. Lo suyo, como él mismo decía, era una historia carismática, democracia cultural en movimiento, corte de mangas al sistema. Voluntad de expresión de un chaval de barrio con ganas de dejar impronta, tanto plástica como sonora (aporrear los parches de su batería era su otra pasión).
No admitía bromas al respecto: en diciembre de 1985 Muelle registró su logotipo en la propiedad industrial, y nunca permitió que su nombre quedara ligado a marca o establecimiento alguno. El dinero para el maletín repleto de rotuladores y aerosoles salía de su bolsillo. Incluso llegó a poner pleitos a un par de agencias de publicidad, acusándolas de haber plagiado parte de su logo. Hasta llegó a denunciar, en junio de 1988,al mismísimo ayuntamiento de Madrid, con ocasión de una ilustración en la revista Villa de Madrid que reproducía su marca. Y es que con el consistorio no parecía llevarse bien. En 1987 fue sorprendido mientras plasmaba su rúbrica sobre el pedestal de la estatua al oso y el madroño, pocas horas después del emplazamiento definitivo de ella en la entonces recién remodelada Plaza del Sol. Multado con 2500 pesetas, Muelle defendió ardorosamente, como un moderno Veronés la validez de su arte callejero ante los tribunales. La repercusión de su hazaña le valió para salir en los periódicos, en una de las pocas veces en que relajó su reacia actitud hacia los medios de comunicación. Un año más tarde, cuando operarios municipales limpiaban la estatua de la Cibeles, todas las cubiertas del andamiaje que rodeaba la estatua aparecieron firmadas por él.

Su actividad transcurrió al margen de las instituciones. Pero éstas son las únicas que pueden preservar lo que queda de su obra (después de haber destruido la mayoría), como el enorme logo en rojo que saluda a la Red de San Luis, varios metros por encima de la acera, a la altura del número 32 de la calle de la Montera. Es una de las pocas pintadas de Muelle que aún existen en la ciudad. El concejal de cultura deja abierta la puerta a la conservación de alguna pieza. Pero no es el único protagonista. Muelle también viajó con su arte fuera de Madrid y allá por donde anduvo no se recató en dejar huella. La huella del aerosol.

En Madrid, la mole del depósito de agua que se alza siniestro y gris a la altura de Plaza de Castilla sigue intacto. Todavía no ha sucumbido a los sprays de Muelle. Pero la osadía de algunos seres alcanza cotas insospechadas y cualquier día los madrileños madrugadores pasarán ante la estructura de hormigón y pensarán que aún no se han despertado. Porque un día cualquiera del invierno que se avecina descubrirán en ese portento de la fealdad ingenieril un toque de color, una "M" realizada con un "looping" y una rúbrica en forma de tirabuzón terminado en una flecha. Ese día se habría cumplido el que según afirman es el sueño de Muelle. Arrepentido de anteriores y lacónicas manifestaciones a la prensa, celoso de su propia imagen hasta el punto de desear ser un nuevo caballero inexistente, como el de Italo Calvino, Muelle no quiere que su presencia salga del plano en que se manifiesta su firma, sobre las tres dimensiones de los seres humanos y se personalice. Los recortes de prensa, la policía, los juzgados y el ministerio de Industria, donde ha quedado registrado el nombre para evitar posibles pirateos comerciales, aseguran que tras esa firma colorida y omnipresente se esconde un tal Juan Carlos Argüello, residente en el barrio madrileño de Campamento. Pero Muelle quiere seguir siendo el caballero inexistente; ha cambiado la armadura por una chupa de colores, el alazán por una Vespino petardeante y ya no es un hidalgo "de adarga en astillero" sino de spray en mano.

De niño empezó a ser conocido por los chicos del barrio como Muelle el día en que, según cuenta la leyenda, completó una bicicleta completamente destartalada con un inmenso muelle recogido no se sabe en qué oscuro vertedero. Ahora empieza a ser tan emblemático en Madrid como el oso y el madroño. Precisamente, una pintada en el pedestal de este monumento provocó el descubrimiento de que tras aquella firma fantasma había una persona concreta. Fue un desafío para Muelle, un cebo para que el sereno de la zona se le echara encima y avisara con su walkitalkie a sus compañeros: "trincado al Muelle". Siete de ellos acudieron para ver al que hasta entonces no había sido más que una sombra fugaz que dejaba a su paso una estela de color; haciendo caso omiso de unas calles que a esa hora están plagadas de prostitutas y borrachos que salen de algunos de los templos de la posmodernidad, navajeros y yonkis sosegados ,los serenos rodearon a Muelle; estaban entonces, según testigos presenciales, como si en una operacióm milimétricamente planeada hubieran capturado al enemigo público número uno.
Este no fue el único encuentro con los guardianes de la ley. Su primera detención se había producido cuando un guarda jurado lo pescó estampando su firma en un cartel publicitario del metro. El juez le puso una multa de 2500 pesetas, una primera multa a la que se fueron sucediendo otras hasta las 12000 pesetas, canjeables por dos días de cárcel, que pagó el mes pasado. En otra ocasión, una noche, se hallaba realizando una pintada en la zona de Embajadores. Notó-cuenta un amigo indiscreto-que había sido controlado por un Nissan de la policía. Saltó a la moto y, callejeando, intentó una huída desesperada. Desembocó en una avenida y...¡Maldición: un semáforo en rojo! Su respeto por las normas de circulación lo puso en manos de la poli.

-¿Eres tú el que estabas haciendo la pintada?
-¿Qué pintada?
-¡Hombre, un listillo!
-Sí, era yo.
-¿Tú eres el Muelle?
-Sí,¿por qué?
-¿Te importaría firmarnos un autógrafo?

Con su popularidad han crecido los amigos apócrifos y, cuentan, él se divierte tirando de la lengua a la gente que inventa leyendas ,inexistentes amistades y supuestas correrías nocturnas spray en mano. No ha faltado quien atribuyó las pintadas a una agresiva e imaginativa campaña publicitaria orquestada por una multinacional; quien aseguró que obedecían a las herméticas maniobras de infiltración de una secta, quien aducía saber de buena tinta que en realidad se trataba del lanzamiento de un nuevo colchón de muelles indeformables. Lo cierto es que una conocida fábrica de colchones llegó a ofrecer cinco millones de pesetas por la marca, oferta que fue rechazada por el grafitero para estupefacción de su madre y orgullo de sus seguidores. No siempre que Muelle se ha visto envuelto en asuntos judiciales ha sido en calidad de denunciado. Según afirma un incondicional de Muelle, un concejal de distrito pone auténtica saña en el borrado de las rúbricas, llegando los servicios de limpieza enviados por él a respetar otras pintadas realizadas junto a las mismas. En otras ocasiones, los "limpias" del ayuntamiento pasan de todo y respetan sus pintadas. Paradójicamente, nuestro héroe ha llegado a denunciar el uso indebido de su marca en la revista Villa de Madrid, editada por el ayuntamiento. También denunció el plagio de su rúbrica en el lanzamiento publicitario de un coche, pero para alguien que se gasta su escaso presupuesto en rotuladores y sprays resulta oneroso interponer una demanda penal.
El ayuntamiento de Parla llegó a pedirle que impartiera un cursillo de pintadas a los chicos de la localidad para que aprendieran a canalizar sus ímpetus pictóricos sin destrozar el entorno. Y es que Muelle, después de casi una década de aprendizaje práctico, está orgulloso de su respeto ciudadano: sólo pinta en aquellos lugares baldíos, paredes abandonadas, tristes vallas de obras, en los que su impronta no daña monumentos o da un toque decorativo al paisaje urbano. En su casa, además de haber desesperado a su madre por el furor con que decora las paredes, realiza los bocetos y pruebas de color que tiznarán la ciudad; es lógico: una pintada polícroma puede llegar a costarle 5000 pesetas (hablamos de los tiempos de los Novelty y de los "Duplix", ojo, la gente de la vieja escuela sabe lo que costaban esos botes en aquella época). A sus veinticinco años se ha convertido en un famoso desconocido; su casa se llena de niños de los rincones más variados de Madrid que le piden una rúbrica en la camiseta o que convierta sus nombres en un graffiti. Deseoso de mantenerse en el anonimato y, a la vez, comunicarse, ha abierto un apartado de correos, el #####, al que mandan caricaturas, firmas con logos, y cartas de amas de casa, niños y profesores.
Cuentan que se siente feliz con lo que él llama su "carisma" y sólo le preocupa que puedan confundirlo con uno de esos "niñatos" que pintan en cualquier superficie.

(Extraído de un artículo de 1991)

Los llamados flecheros madrileños reperesentan a un colectivo de jóvenes graffiteros madrileños de la época de los 80 que desarrollaron un estilo de graffiti autóctono, desligado por completo del original movimiento de graffiti neoyorkino tal y como hoy lo conocemos.

El término flecheros viene de la inclusión de flechas en sus firmas. Estos tags surgen de forma espontánea y natural, sin referencia alguna al graffiti importado desde los EEUU, siendo el pionero en nuestro país Muelle a principios de los 80 y seguido por otra serie de escritores símbolos de una época como Rafita, Max 501, Blek "La Rata", Glub, Remebe, Tifón, Josesa Punk... Con una filosofía de graffiti definida, en parámetros generales, por un respeto a los monumentos y lugares artísticos y por el emplazamiento arriesgado de sus pintadas, generalmente en céntricas calles o autopistas. Se caracterizaban, además, por el hecho de engordar su firma añadiéndole bordes, brillos y sombras para hacerla destacar. Ésto le confería un estilo específico y una gran personalidad a la insignia de cada uno.

Un dato importante a destacar es, como ya se ha dicho, la desvinculación de estos graffiteros con el graffiti proveniente de EEUU (el cual ya llegó a Europa dentro del paquete Hip Hop). Nos encontrábamos así con que muchos de estos graffiteros eras heavies, rockeros o símplemente no pertenecían a ninguna tribu urbana, en contra de lo que pasaría en la llegada de la segunda oleada de graffiteros a principio de los 90, donde este movimiento estaba más ligado al rap y en general al movimiento Hip Hop.

Euskal-Herriko “graffiti” mugimenduak aztarna bereziren bat duen ikerketari buruzko aldizkari –edota “fanxine”- aintzindari bat da gure PALABRA proiektu irekia.

Gaur egun arrakasta handiko gazte-eszena honek, 90ko hamarkadaren hasierako lehen urteotan jaioa gure Eukadiko hiriburu ezberdinetan, gure herrietako pintada politikoez jositako kaleekin erlaziorik ote duen galdetzen diogu geure buruei.
”Graffiti”-a margotzeko ulermen ezberdin ta internazionalak jorratzen ari ahal dira: Barakaldo, Arrasate edota Hendaia-ko herrietan? Hemengo artisten lana ezberdintasunik ahal du Dortmund, Praga, Atlanta, HongKong edo CapeTown-en agartzen diren kaleko lan ilegalekin?

Argitalpen apal honen asmoa, hemengo kaleetan gertatzen ari diren espresio artistikoen erradiografia ta erakuslehio bat izatea da… gure ustez premiazkoa!

“PALABRA basque graffiti magazine #01”-aren ale bat lortu nahiez gero zure zentzumenak zorroztu beharko dituzu, lurpeko mogimendu honetan ohikoa den bezala, ez bait gara zure auzoko kioskoetan lortu daitekeen iragarkiez jositako “hip hop” aldizkari hoietako bat. #02 alea LAiSTER KALEAN!

Kontaktua: buzon.palabra@gmail.com

"El desvío como negación y como preludio"
Internationale Situationniste...
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Aparecido en 1959 en la revista Internationale Situationniste, # 3.
Traducción extraída de Internacional situacionista, vol. I: La realización del arte, Madrid, Literatura Gris, 1999.
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El desvío, es decir, la reutilización en una nueva unidad de elementos artísticos preexistentes, es una tendencia permanente de la vanguardia actual, tanto antes como después de la constitución de la I.S. Las dos leyes fundamentales del desvío son la pérdida de importancia -llegando hasta la pérdida de su sentido original- de cada elemento autónomo desviado, y la organización al mismo tiempo de otro conjunto significativo que confiere a cada elemento su nuevo sentido.
Hay una fuerza específica en el desvío que tiene evidentemente su doble fondo en el enriquecimiento de la mayor parte de los términos desviados por la coexistencia en ellos de sus sentidos antiguo e inmediato. Su utilidad práctica reside en su facilidad de uso y en las posibilidades inagotables de reutilización. A propósito del mínimo esfuerzo que permite el desvío dijimos ya (Modo de empleo del desvío, mayo 1956): "Lo barato de sus productos es la artillería pesada con la que se golpea en las brechas de todas las murallas chinas de la inteligencia". Sin embargo, esto en sí mismo no justifica el recurso al procedimiento que la frase anterior mostraba: "embistiendo de frente a todas las convenciones mundanas y jurídicas". Hay un sentido histórico del desvío. ¿Cuál es?

"El desvío es un juego basado en la posibilidad de desvalorización", escribe Jorn en su estudio Peinture détournée (mayo 1959) y añade que todos los elementos del pasado cultural deben ser "investidos de nuevo" o desaparecer. El desvío se revela así en primer lugar como negación del valor de la organización anterior de la expresión. Surge y se refuerza cada vez más en el período histórico de descomposición de la expresión artística. Pero, al mismo tiempo, los intentos de un nuevo empleo del "bloque a desviar" como material para otro conjunto expresan la búsqueda de una construcción más vasta en un nivel de referencia superior, una nueva unidad monetaria de la creación.

La I.S. es un movimiento muy particular, de una naturaleza diferente a las vanguardias artísticas anteriores. La I.S. puede compararse, en la cultura, por ejemplo a un laboratorio de investigación, y también a un partido en el que somos situacionistas y donde nada de lo que hacemos es situacionista. Esto no es una contradicción para nadie. Somos partidarios de cierto futuro de la cultura, de la vida. La actividad situacionista es un oficio definido que no ejercemos todavía.

Así, la firma del movimiento, la huella de su presencia y de su contestación en la realidad cultural de hoy, ya que no podemos en ningún caso representar un estilo común, sea el que sea, es sobre todo el uso del desvío. Se pueden citar, como expresiones desviadas, las pinturas modificadas de Jorn, el libro "totalmente compuesto de elementos prefabricados" de Debord y Jorn: Mémoires (en el que cada página se lee en todos los sentidos, y las relaciones recíprocas entre las frases están siempre inacabadas) y los proyectos de Constant para esculturas desviadas; en el cine, el documental desviado de Debord: "Sobre el paso de algunas personas a través de una unidad muy corta de tiempo". En el estadio de lo que Modo de empleo del desvío llamaba "ultradesvío, es decir, las tendencias del desvío que se aplican en la vida social y cotidiana" (por ejemplo, las contraseñas o los disfraces, que pertenecen a la esfera del juego) habría que hablar, en planos diferentes, de la pintura industrial de Gallizio, del proyecto "orquestal" de Wyckaert para una pintura en cadena con división del trabajo en base al color y de los múltiples desvíos de edificios que se darán en el origen del urbanismo unitario. Pero sería también éste el lugar de las formas de "organización" de la I.S. y su propaganda.

En este punto de la marcha del mundo todas las formas de expresión comienzan a girar en el vacío y se parodian a sí mismas. Como los lectores de esta revista pueden constatar a menudo, la escritura de hoy tiene siempre algo paródico. "Hay que concebir", anunciaba el Modo de empleo, un estadio paródico-serio en el que la acumulación de elementos desviados, lejos de querer suscitar la indignación o la risa al referirse a la noción de obra original, sino enfatizando por el contrario nuestra indiferencia hacia un original carente de sentido y olvidado, se utilizaría para restituir una forma de sublime. Lo paródico-serio recobra las condiciones de una época en la que encontramos, de modo apremiante, la obligación y la casi imposibilidad de reunirse, de llevar a cabo una acción colectiva totalmente innovadora. En la que lo más serio se enuncia como una máscara en el doble juego del arte y su negación; en la que los viajes de exploración esenciales han sido emprendidos por personas de una incapacidad tan conmovedora.

Archivo Situacionista Hispano *
Literatura Gris.

*(Texto obtenido a través del interesante blog colombiano El Depertador!)..

*(Imagen que ilustra el artículo: mapa psicogeográfico de Guy Debord titulado "The naked city" , o la ciudad desnuda)..

Marc Ecko tiene 32 años y es diseñador de moda urbana, o “street-wear“. Hace 10 años todavía era un “graffitero” que vendía sus camisetas en el garaje de casa de sus padres en Nueva Jersey, junto a la ciudad norte-americana de Nueva York.

Esta persona que es definida por la prensa como paradigma del “sueño americano”, comenzó su carrera como “capo de la moda urbana global” en el año 1993 al fundar “*ecko unltd“. Pero su pequeña compañía había emprendido el camino a finales de los 80 con una serie de 6 camisetas “customizadas” (o elaboradas a mano), las cuales rápidamente fueron identificadas por el director de cine afro-americano Spike Lee, o el “rapero“ Chuck D (del grupo Public Eneny) . Estos decidieron lucirlas, y se convirtieron de golpe en prendas cotizadísimas. Con este movimiento el chico blanco y gordito de extrarradio (entiéndase Mark Ecko) obtuvo la legitimación de su trabajo por parte de algunas de las figuras más controvertidas de la cultura juvenil urbana afro-americana.
De esta manera tan sencilla nació uno de los iconos más repetidos en la ropa urbana juvenil: el contorno de un rinoceronte, que fácilmente es asociado al movimiento hip-hop y a la música rap . Incluso podríamos llegar a decir que ese animal tristemente representa -ya en todos los suburbios de este mundo globalizado- la esencia misma de la credibilidad urbana.

El imperio de este señor Ecko, cuyas ventas alcanzan los 836 millones de euros al año, esta dividida en varias líneas: Ecko Unlimited (hombre), Eckored (mujer), Ecko Unltd Función (outerwear), Marc Ecko Leather (artículos de cuero), líneas para niños, relojes, gafas, zapatos, cosméticos, y bolsas. También diseña una colección de gama más alta para hombre (Mark Ecko Collection), y en materia de ropa también ha creado o comprado: G Unit (con el popular cantante 50 Cent), Zoo York (la clásica marca de skate) y la conocida Avirex (con toque aviador).
También se ha diversificado en la prensa, con Complex, una revista quincenal con tirada de 320.000 ejemplares, dirigida a hombres “jóvenes” y “urbanos”.

“In the youth culture marketplace, style and credibility reign supreme. At the epicenter is designer Marc Ecko, the man behind the world-famous Rhino brand“.
http://www.marceckoenterprises.com

Además el 17 de Febrero del 2006, Marc Ecko lanzó al mercado europeo el videojuego “Getting Up: Contents Under Pressure” junto a la mítica compañía Atari (y cuidado! La película pronto llegará de manos de la cadena de televisión MTV). Este nuevo pasatiempo esta ambientado en la ciudad ficticia de “New Radius“, un mundo donde la libertad de expresión ha sido suprimida por un tiránico gobierno urbano. En el juego el jugador representa el papel de “Trane”– un héroe improbable que sólo quiere ascender, hasta que se da cuenta que están en juego muchas más cosas. El jugador aprende y domina varias habilidades gráficas, comenzando como artista novato y utilizando sus tretas callejeras, fuerza atlética y visión necesaria para convertirse en el “Rey de toda la ciudad ”, o lo que viene a ser lo mismo, en el artista de “graffiti” más famoso de todos.
Durante su aventura, los jugadores arriesgan sus vidas navegando por paisajes verticales mientras luchan contra equipos rivales, un alcalde corrupto y los cuerpos urbanos del “Civil Conduct Keepers” (CCK) … y todo con el único objetivo de poder alcanzar los sitios más intrépidos de “New Radius“, donde una marca (“tag” o firma) bien colocada significa respeto y reputación. Además, el jugador se encontrará con un escollo aún mayor... utilizar su especializado talento como “graffitero” para denunciar al opresivo alcalde y liberar a la ciudad.

“Marc Ecko’s Getting Up: Contents Under Pressure” incluye variedad de talentos vocales como el famoso artista de hip-hop T alib Kweli, Sean “Diddy” Combs, Rosario Dawson, Brittany Murphy, George Hamilton, Giovanni Ribisi , Adam West y Andy Dick, Charlie Murphy, The RZA y Michael “M.C. Serch” Berrin. Además 65 artistas del “graffiti” han prestado sus firmas y arte para los escenarios urbanos del juego, al mismo tiempo que seis escritores legendarios (casi todos de NYC) como: Cope 2, Futura 2000, OBEY: Shepard Fairey, Seen, Smith y T-kid actúan en el juego como mentores del protagonista principal.

“Con su fusión única de autentica cultura urbana y variedad de elementos de juego, Marc Ecko’s Getting Up: Contents Under Pressure representa una experiencia de juego nueva y original” dijo Cyril Voiron, Director de Marketing de Atari Europe. “En un mercado donde se valora enormemente la combinación de originalidad genuina y juego atractivo, este título lo proporciona”.
http://www.ps2vicio.com/index.php?sec=leer_noticia&id=719

Mu